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martes, 29 de octubre de 2013

ISABEL DE CASTILLA Y CRISTÓBAL COLÓN. LA REUNIÓN. FESTIVAL IBEROAMERICANO DE TEATRO DE CÁDIZ 2013


Foto: J.S-F



ISABEL Y CRISTÓBAL ENCUENTROS Y DESENCUENTROS EN “LA REUNIÓN”


FESTIVAL IBEROAMERICANO DE TEATRO DE CÁDIZ.
 Teatro en el Blanco: La reunión
Dramaturgia y Dirección: Trinidad González
Actores: Jorge Becker; Trinidad González y Tomás González.
Lugar: Sala Central Lechera. Día: 26.10.2013 Asistencia: ¾ Aforo.






Jesús Sánchez-Ferragut.


Teatro en el blanco, compañía chilena de teatro formada por cuatro actores, llega al Festival Iberoamericano de Teatro de Cádiz 2013 en su recta final, los últimos viernes y sábado de representaciones. Y aunque, al menos en mi caso, con el lógico cansancio después de haber asistido al mayor número posible de representaciones, no por ello dejé de ponerle interés al evento, sobre todo habida cuenta que la temática se presumía interesante: La teatralización y ficción de una audiencia dada por Isabel de Castilla a Cristóbal Colón, quien se encontraba en esos momentos preso, tras las acusaciones de no ser fiel a la Corona.

Teatro en Blanco tiene el mérito de ser compañía independiente y funcionando desde 2004, con lo que en breve cumplirán los diez años, que no es poco en los tiempos que corren.

La obra que nos presentaron en el FIT, La Reunión, y que es su última producción, se desarrolla casi en un 85% sobre el diálogo de Isabel y Cristóbal. Diálogo que pasa por varias fases, con mayor o menor énfasis en la dramatización y que llega a alcanzar momentos de gran interés para el público. Todo ello sobre una base de suaves toques históricos y siempre girando sobre tres ejes: Las relaciones humanas ante el poder y la falta del mismo (la reclusión); El papel de los indios en los comienzos de descubrimiento del Nuevo Mundo; Y el tratamiento del Estado y La Iglesia.

Pese a lo extraño oír a una Isabel de Castilla con acento chileno, cosa que, por cierto, hace que el espectador español tenga que poner los cinco sentidos para no perder detalle del texto, siempre se tiene la ocasión de aprender algo nuevo. Y en esta ocasión la anécdota para mí fue oír hablar de San Barandán como patrón de los navegantes, al personaje Cristóbal Colón, ya que en España hoy día el patrón de las gentes de la mar es San Telmo, y en Chile San Pedro. He buscado la vida de ambos (San Barandán y San Telmo), y tengo que decir que es más que probable que la cita sea la correcta, ya que San Barandán, santo y navegante, vivió en el SVI, mientras que San Telmo vivió en el S.XII. La única duda que me queda es saber si el nombre usado era San Barandán o San Borondón, ya que en Sanlúcar de Barrameda, ciudad de navegantes donde las haya, me consta que hay una antiquísima calle dedicada a San Borondón.

La Reunión es una obra interesante, pese a contar con una sobria escenografía y una iluminación que quizá recurre en demasía a la luz cenital. De los tres personajes, el que me resultó más convincente fue el de Isabel de Castilla, y probablemente la parte más endeble de la trama sea la que se refiere al tratamiento de los indios por parte de Colón, ya que se tiene la sensación de que se recurre quizás a desubicar en el tiempo las diversas problemáticas con los indígenas de toda Sudamérica y sus diferentes países.  

 
Y con esta obra ha concluido para mí esta vigésimo octava edición del Festival Iberoamericano de Cádiz 2013, que en líneas generales ha pasado con dignidad pese a la crisis que nos asola. ¡Hasta el próximo año 2014!





PUBLICADO EN:
http://www.diariobahiadecadiz.com/detalle-noticia-25793



sábado, 26 de octubre de 2013

HISTRIÓN TEATRO. FESTIVAL IBEROAMERICANO DE CÁDIZ 2013


Foto: J.S-F.
HISTRIÓN TEATRO: UNA MIRADA CRÍTICA AL MUNDO DEL TEATRO Y A SU ESTÉTICA.



FESTIVAL IBEROAMERICANO DE TEATRO DE CÁDIZ.
 Histrión Teatro. Teatro para pájaros.
Dramaturgia y dirección: Daniel Veronese
Actores: Gema Matarranz; Elena de Cara; Manuel salas; Enrique Torres; Asun Ayllón; Paco Inestrosa
Lugar: Sala Central Lechera. Día: 23 y 24.10.2013 Asistencia: Aforo completo.




Jesús Sánchez-Ferragut.

Una catarsis depurativa teatral, es el argumento de Teatro para pájaros, la obra que Histrión Teatro ha representado en el marco del Festival Iberoamericano de Teatro de Cádiz 2013. ¿Pero es solo el espectador el que ve confrontados sus sentimientos en las diversas escenas? En  mi opinión, no creo que sea ese el único objetivo.
Foto: J.S-F.
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La estructura y estética de la obra son totalmente actuales, y la representación está abierta a la observación, interpretación y crítica de todo el mundo del teatro, no solo del público presente en la representación. En este sentido, Teatro para pájaros intenta ir más allá de las gradas o del patio de butacas. Proyecta una visión oblicua del texto y de la fábula, donde los críticos, sobre la escena, son los propios actores.

El escenario, que es un espacio semiabierto y girado unos grados en relación con la línea de horizonte, sin duda mete al espectador en la estética de que está presenciando un teatro dentro de un teatro. Desde la grada se percibe una apertura del escenario dentro de un continente mayor, que simbólicamente es el mundo del teatro, pero también se perciben las dos puertas que tiene el escenario: La que conduce a las escaleras del inmueble y la que conduce al resto de la vivienda. Estas últimas posibilitan la salida y entrada de los actores en la escena, y con ellos sus problemas e historias.
Foto: J.S-F.
El texto de la obra consigue darle a la representación un ritmo ágil, a veces vertiginoso, pero sin sensación de pérdida de la cadencia principal. Se confrontan las problemáticas  situaciones en que el mundo del teatro se encuentra en la actualidad, desde los puntos de vista del empresario teatral, los actores, escritores y los propios personajes, como seres humanos. Es una propuesta de reflexión sobre la estética teatral, donde a veces, en el teatro, lo patético no nace de la ficción, sino de la necesidad real, vital.

La escena final apela a la más simple y antigua de las estéticas del ser humano: Una mujer que se desnuda, de espaldas, nos recuerda que detrás de todo el universo teatral, lo que se encuentra es la persona, desnuda frente al mundo. Toda una imagen alegórica del camino futuro del teatro: volver a la persona, a sus inicios, a su desnudez incontaminada. A despojarse de lo superfluo, ya sea texto, ya sea recurso, ya sea atrezzo o equipaje.

Teatro para pájaros, una obra que gustó mucho al público del Festival y que llenó la sala de la Central Lechera de Cádiz.


Foto: J.S-F.


PUBLICADO EN:
http://www.diariobahiadecadiz.com/detalle-noticia-25746




viernes, 25 de octubre de 2013

HÉCUBA. FESTIVAL IBEROAMERICANO DE TEATRO DE CÁDIZ 2013

Foto:J.S-F
HÉCUBA, JUEZ Y PARTE, SEÑORA DE LA VENGANZA.



FESTIVAL IBEROAMERICANO DE TEATRO DE CÁDIZ.
FESTIVAL INTERNACIONAL DE TEATRO CLÁSICO DE MÉRIDA Y PENTACIÓN PRODUCCIONES:
 HÉCUBA.
Escenografía y Dirección: José Carlos Plaza. Iluminación: Toño Camacho
Actores: Concha Velasco; José Pedro Carrión; Juan Gea; Pilar Bayona; María Isasi; Alberto Iglesias; Luis Rallo; Alberto Berzal; Denise Perdikidis; Marta de la Aldea; Zaira Montes.
Lugar: Gran Teatro Falla. Día: 25.10.2013 Asistencia: Aforo completo.





Jesús Sánchez-Ferragut.

Antes que nada, vaya por delante el gran éxito que tuvo la representación de Hécuba en el Gran Teatro Falla el pasado jueves 25. Éxito porque se llenó el teatro y también por la ovación al final de la representación, dirigida sobre todo a Concha Velasco, quien encarnó el personaje de Hécuba.
Lo cierto es que la septuagenaria Concha estuvo inmensa, en un papel inédito para ella e inédito para el público asistente. La actriz vallisoletana, probablemente se ha ganado con este papel de Hécuba un hueco en un lugar muy cercano al Parnaso, sorprendiendo, y nunca mejor dicho, a tirios y troyanos, con una representación plena de fuerza y tragedia, redonda, y de total actualidad pese a haber sido escrita en el año 424 a.c.
Foto: J.S-F

Dentro de la denominación de Tragedia Clásica, Hécuba contiene varias tragedias diferentes: la de una madre y reina, Hécuba, que ve cómo además de ser desposeída de su reino y ser convertida en esclava de los griegos, la fatalidad hace que tenga que asistir a la muerte de una de sus hijas, Polixena, en sacrificio por los aqueos, ante la tumba de Aquiles, a lo que se suma también la fatalidad de ver el cadáver del menor de sus hijos Polidoro, arrojado por el mar tras ser asesinado. Su otra hija, Casandra es también fatalmente convertida en concubina de Agamenón. La otra tragedia dentro de la tragedia de Hécuba es la de su propia hija Polixena, que acepta la muerte en sacrificio ante la tumba de Aquiles, como decisión de un deber superior de que ella no será nunca esclava de los griegos.

El hilo conductor, el nexo que une fatalidades y tragedias, a través de la venganza, es Hécuba, quien fuera madre de Paris y Héctor, reina y a la que se le atribuye la maternidad de entre 14 y 19 hijos con Príamo, su esposo, rey de Troya.
Hécuba, pese a ser anciana y estar desolada tras la destrucción de su reino, Troya, y verse reducida a la condición de esclava, renace con una fuerza casi sobrehumana, con el único objetivo de vengar lo que ella considera una injusticia: La muerte de su hijo Polidoro, asesinado por Polimnéstor, rey de Tracia, a quien Príamo, su padre, confió su vida y su oro, para estar a salvo de los griegos. Polimnéstor, sin embargo, lo asesina y lo arroja al mar tras robarle el oro. Hécuba, tras implorar a Agamenón que haga justicia, sin obtener resultado, consigue ver a Polimnéstor, a quien tras preguntar por la salud de su hijo, consigue engañar prometiéndole más riquezas y tesoros. Lo conduce con artimañas, junto con su hijo a la tienda de las troyanas, donde dan muerte al hijo, y arrancándole a él los ojos.

Pese a que Agamenón atiende las razones de Polimnéstor, aquél, sin embargo, da la razón a Hécuba, zanjando a la polémica a favor de la venganza.
Es el triunfo de la venganza, fruto de la enajenación de quien fuera reina y para su desgracia, posteriormente castigada con una catarata de fatalidades que la conducen a ser juez, parte y ejecutora a la vez. La otra cara de la moneda es la derrota de la justicia, quien es incapaz de imponerse en esta tragedia escrita hace más de dos mil años.
La escenografía de la producción es extraordinaria, que recreando ruinas, conduce al espectador al campamento donde se encuentran las troyanas esclavas, esperando ser llevadas a Grecia por sus captores. La iluminación es fantástica, consiguiendo una nitidez de los personajes poco usual. El vestuario, soberbio, y el sonido muy bueno. Todo ello eleva la obra a la categoría de superproducción.




Todo un acierto del Festival el haber programado esta obra clásica, prácticamente inédita del público español, y que ha sido probablemente el evento más destacado de esta edición del FIT 2013.










PUBLICADO EN:

http://www.diariobahiadecadiz.com/detalle-noticia-25747

jueves, 24 de octubre de 2013

CHAMACO. FESTIVAL IBEROAMERICANO DE TEATRO DE CÁDIZ 2013



MADRID Y CUBA UNIDAS POR ALGO MÁS QUE UNA CASUALIDAD.

Foto: J.S-F.



FESTIVAL IBEROAMERICANO DE TEATRO DE CÁDIZ.
 Argos Teatro, Artífice Escénico y Producciones Aquora: CHAMACO.

Texto: Abel González Melo. Dirección: Carlos Celdrán..
Actores: Ernesto Arias; Fidel Betancourt; Paloma Zavala; Francesco Carril; Luis Castellanos; Rey Montesinos; Pilar Vilaplana; Juan O’Gallar
Lugar: Teatro La Tía Norica. Día: 22.10.2013 Asistencia: Aforo completo.




Jesús Sánchez-Ferragut.

Llegado el ecuador del Festival de este año, tengo que decir que la obra que vi el pasado martes 22 en el nuevo Teatro del Títere de la Tía Norica, Chamaco, es sin duda de lo mejor que he visto hasta ahora (aclaro que no lo he visto todo, porque no tengo el don de la ubicuidad, y también por motivos de organización del Festival).
Se trata de una obra compacta, muy bien estructurada, ágil, y que mantiene todo el tiempo el ritmo sin apreciables variaciones del mismo. La trama es de total actualidad. Situada en Madrid, une dos universos diferentes: El cubano y el español, cada uno con sus peculiaridades, pero sin olvidar que detrás de ellos hay personas, que viven, sienten, trabajan (o no), tienen pasiones y sufrimientos.
Foto:J.S-F.

Originalmente la obra, que se estrenó en La Habana en 2006, tiene como base argumental el tratamiento de la homosexualidad masculina. El Chamaco que en 2013 viene al FIT de Cádiz, traslada la acción, y la cruda problemática a una España en crisis, y que se encuentra navegando en uno de sus peores momentos desde finales del S.XX.
El actor principal, Chamaco (el niño de la calle) es Fidel Betancourt, el mismo actor que estrenara la obra en La Habana. Junto a él, Ernesto Arias interpreta el papel de Alejandro Depás, el juez homosexual que materializa el otro pilar de la representación.
Ambos actores tienen una interpretación estupenda, dando credibilidad a estos dos personajes que se encuentran en un nudo de casualidades fatales y que convierten unas navidades madrileñas en una tragedia para dos familias, española y cubana.

La obra hace reflexionar sobre la nueva realidad de un Madrid que se va adentrando en el S.XXI conciliando nuevos problemas y costumbres con tradiciones. El espectador se adentra en la piel de un Chamaco que vive al límite y al día, y donde la casualidad no es sino una forma más de acontecer el día a día. La casualidad hará que mate a puñaladas a un joven español, que resultará ser el hijo del juez al que prestará posteriormente sus servicios sexuales. También por casualidad la hermana del joven asesinado e hija del juez entra en liza al cruzarse en su vida un joven cubano, que casualmente se llama Karel Dárin (Chamaco). La tragedia traslada el dolor de los personajes al público más allá de las circunstancias personales, de nacionalidad o de sexo de cada uno de ellos.
Hay situaciones en la obra que son especialmente sensibles, como la escena en la que el juez relata a Chamaco la muerte de su hijo, sin saber que el asesino es precisamente Chamaco.
Foto: J.S-F.

Capítulo aparte merece la decoración de la escena, que a mí particularmente me resultó estupenda. Minimalista, pero de factura exquisita, recrea con detalle determinados elementos, como la mesa de comedor dispuesta para la cena de navidad, un banco de parque o una papelera...Pero lo que me ha causado una excelente impresión es la utilización del elemento central de la escena, un pequeño prisma que hace las veces de pared de salón, cocina, o de dormitorio, y que es a la vez una especie de muro-refugio de los personajes, o muro de sus lamentaciones. La iluminación, muy acertada, hace el resto.

Una obra que recomiendo ver, y que sin duda estará entre lo mejor de esta vigésimo octava edición del FIT de Cádiz.  


Foto:J.S-F.





Publicado en Diario Bahía de Cádiz:

miércoles, 23 de octubre de 2013

LA ZARANDA. FESTIVAL IBEROAMERICANO DE CÁDIZ 2013.


CERDOS, ARCHIVOS Y PROCEDIMIENTOS EN MEDIO DE LA NADA.



FESTIVAL IBEROAMERICANO DE TEATRO DE CÁDIZ.
LA ZARANDA. El régimen del pienso
Texto: Eusebio Calonge.
Actores: Javier Semprún; Gaspar Campuzano; Francisco Sánchez; Enrique Bustos
Lugar: Gran Teatro Falla. Día: 20.10.2013 Asistencia: ¾ aforo.


Foto: JS-F



Jesús Sánchez-Ferragut.

El régimen del pienso, es un drama, con suaves tintes de humor negro, plagado de recursos teatrales simbólicos, que hace que el espectador asista, más en silencio que otra cosa, a una representación de 90 minutos en los que tiene tiempo de pensar en los diversos interrogantes sociales que se plantean.
Dependiendo de la escena, y pese a que la obra es representada sin solución de continuidad en un solo acto, a veces se tiene la sensación de altibajos en el ritmo, lo que se traduce en diferentes velocidades escénicas.

La obra describe una empresa de engorde de cerdos, donde se detecta una enfermedad que los va matando, sin que se pueda descubrir exactamente la causa. Sin embargo, no es necesario que el espectador haga un gran esfuerzo para identificar rápidamente a los cerdos de la granja con la especie humana, y a la empresa que los engorda con el estado, sus vicios, burocracia e insensibilidad crónica y cansina para con todo lo humano.
Foto: JS-F

La trama, centrada de esta manera, es solo una excusa para poner sobre las tablas del teatro una crítica social, más o menos explícita, de uno de los modelos productivos que en la historia de la economía han sido: El régimen económico comunista.
Y aunque embutida en situaciones demasiado vistas y esperadas, como son los tópicos sobre la conducta diaria de un funcionario en su puesto de trabajo, y recurriendo, quizá demasiado explícitamente, a considerar que la situación tiene un origen que se pierde en la noche de los tiempos (se cita la obra de Larra “Vuelva Ud. Mañana”), no deja de ser meritoria esta ácida crítica a un “Estado” que vive a costa de la persona, en vez de estar a su servicio. Una crítica que acaba en cuasi tragedia sin solución.

Junto a la recurrente simbología utilizada por los actores, y que aleja de las tablas cualquier intento de interpretación plana por parte de los mismos, otro de los recursos utilizados en la obra es la “deconstrucción”, entendida ésta en los términos de deconstrucción del texto escrito, como manera de desmontar lo ya ensamblado, posibilitando que se puedan hacer múltiples interpretaciones textuales, según cada espectador. La verdad, un recurso un poco rebuscado, y en mi opinión bastante difícil de apreciar por parte del espectador.

A destacar, como casi siempre en todas las obras de La Zaranda, su minimalismo escénico, utilizando al máximo los mínimos recursos de decoración posibles. A penas cinco estanterías de oficina con ruedas, unos botes de suero, y unos flexos, despiertan la imaginación del espectador en un alarde de alegorías, donde una misma estantería se convierte en cárcel, bureau de despacho o mesa de operaciones…

El régimen del pienso, pese a ser una obra ya estrenada hace un año, está a la altura de un Festival Internacional de Teatro como el de Cádiz. Muestra de un buen trabajo de autor y de los actores de una compañía, La Zaranda, uno de los referentes teatrales de esta provincia gaditana.

Foto: JS-F


Publicado en Diario Bahía de Cádiz:  


SARA DICE. FESTIVAL DE TEATRO IBEROAMERICANO DE CÁDIZ 2013.


SARA DICE, LA NOMINACIÓN DE UN ASESINO Y SU VÍCTIMA.

FESTIVAL IBEROAMERICANO DE TEATRO DE CÁDIZ.
TEATRO PETRA. Sara dice
Colombia
Texto basado en escritos de Mako Saguru.
Lugar: Sala Central Lechera. Día: 21.10.2013 Asistencia: ¾ aforo.







Jesús Sánchez-Ferragut.

Sara dice, la primera de las dos obras con las que Teatro Petra concurre este año 2013 al FIT de Cádiz, nos llega con un gran rodaje hecho previamente en Bogotá, después  de haber sido estrenada en 2010 con ocasión del 25 aniversario de Teatro Petra, y de haber pasado por el XIII Festival Iberoamericano de Teatro de Bogotá de 2012.

Es una comedia plagada de humor negro, que provoca la risa del espectador a la vez que estimula su esperpento o es intimidado con violencia a bocajarro (el uso de las pistolas, que utilizan balas de fogueo, acongoja por su realismo, al pacífico personal que asiste en las gradas a la representación).

La trama está sacada de unos escritos del aviador y escritor japonés desaparecido en la II Guerra Mundial, Mako Saguru, y se cuestiona cómo sería una sociedad en donde no se asesinara; donde el asesinato se hubiera olvidado. Por esa razón, y tras un estudio, las autoridades  deciden que cada 100 días deberá cometerse uno al azar, para calmar pasiones, odios, venganzas, etc. Tanto el asesino como la víctima serán designadas  por votación de los miembros de dos familias que serán elegidas previamente mediante un sorteo público. Las familias, sus cuitas, problemas, pasiones, vicios y miserias van tomando poco a poco el protagonismo de la obra, en su ficticia misión de “nominar” verdugo y víctima en esta ácida obra de teatro.

La representación va de menos a más, conforme la trama se va desplegando, y está coloreada con música de varios estilos, mientras que los actores representan la obra con la única licencia de enfatizar las situaciones de humor negro, pero sin recurrir a ningún tipo de simbología que distraiga la mente del espectador de la visión directa y explícita del texto que se narra. Pocos conceptos se dejan a la imaginación, aunque es cierto que a la hora de ser explícito aún se podría serlo mucho más. Los personajes viven una especie de “Gran hermano” donde a quien hay que nominar es al asesino y a su víctima.

Por lo demás, el vestuario está recreado en los años 60 – 70 del S XX, y los decorados más que minimalistas, diría yo que quedan reducidos a una económica expresión, meramente funcional, para que todo encaje en su sitio.


Sara dice es una comedia con humor negro, que divierte al espectador describiendo situaciones lejanas y no tan lejanas, que nos llega de Colombia, tierra hermana…y lejana.




Publicado en Diario Bahía de Cádiz: 

martes, 21 de diciembre de 2010

XXV FESTIVAL IBEROAMERICANO DE TEATRO DE CÁDIZ


Els Joglars cierra el FIT: el que ríe de sí mismo tiene fuente inagotable de risa

31/10/2010. Jesús Sánchez-Ferragut (FOTO: JSF)

CRÍTICA. El espectáculo puesto en escena por Els Joglars con ocasión del cincuenta aniversario de su fundación en el Festival Iberoamericano de Teatro (FIT) de Cádiz, consigue ironizar sobre la última cincuentena de la vida en España, y ficciona sobre los próximos veinticinco, riéndose de ellos mismos y del mundo, con sarcasmo y a tumba abierta.

La trama de la obra, gira sobre una compañía ya jubilada de actores y cómicos, que son homenajeados por una entidad financiera llamada ‘La Cacha’, como supervivientes de una época de glorias pasadas como comediantes. El espectáculo que la entidad bancario-paternal les tiene reservado a los senectos cómicos, consiste en una representación extraordinaria de sus habilidades y está conducido y presentado por una pareja de jóvenes actores del año 2036, a los que apenas se les entiende por culpa del lenguaje que utilizan, supuestamente consecuencia de la degeneración del castellano por la ingerencia de otras lenguas y la utilización sin contemplaciones del lenguaje corporal.

La obra es de una agilidad increíble, y combina los medios audiovisuales con una gran maestría, lo que la convierte en una obra de un empaque extraordinario. Sin fisuras en la acción, los actores van recreando y recreándose en situaciones que hacen que el público ría sin prejuicios a carcajada limpia.

La crítica oportuna de los problemas reales de la sociedad actual, ocupa un lugar verdaderamente relevante en la temática de ‘2036 Omena-G’, y aunque quizá en algún momento puede haber un exceso de acudir a la carcajada fácil a través de la referencia a alguna figura política coyuntural, lo cierto es que prevalece sobre todo lo demás la crítica valiente de situaciones sobre las que otros pasan de puntillas, o sencillamente ni pasan. La imaginación puesta en algunas escenas es extraordinaria, dando como resultado, por ejemplo, la presentación del poblado de chabolas en el que conviven estos octogenarios cómicos, o la sobrecogedora escena de cómo son robadas y almacenadas con una máquina las frustraciones de cada uno de ellos. Todo, sin perder en ningún momento el norte del humor, el ritmo de los excelentes actores que intervienen, y la crítica relevante.

Els Joglars se desviste en esta obra, a la que llegan cargados de la experiencia de cincuenta años, pero ligeros del equipaje del clientelismo a nada o casi nada. Le dan vuelta a la moviola, y sobre el pasado nos cuentan un presente en clave de futuro, pero que no puede ser más actual, ni más certero y oportuno. El público asistente a la presentación, el viernes 29, aplaudió con ganas este nuevo proyecto de la autocriticada y autohomenajeada compañía. Sin duda lo mejor de este también homenajeado XXV Festival Iberoamericano de Teatro de Cádiz. Un excelente broche. DIARIO Bahía de Cádiz Jesús Sánchez-Ferragut


FICHA:

2036 OMENA-G de Albert Boadella

Compañía Els Joglars. España.
Dramaturgia, espacio escénico y dirección: Albert Boadella.
Actores: Jesús Agelet; Jordi Costa; Ramón Fontseré; Minnie Marx; Lluis Olivé; Pilar Sáenz; Xavi Sais; Dolors Tuneu; Xavier Vila; Martina.
Lugar: Gran Teatro Falla. Día 29 de octubre de 2010. Aforo: completo.

XXV FESTIVAL IBEROAMERICANO DE TEATRO DE CÁDIZ







Obra entre la investigación teatral y la literatura fantástica, y Pablo Palacio

30/10/2010. Jesús Sánchez-Ferragut (FOTO: JSF)
CRÍTICA. La obra que pudimos ver en la Central Lechera el jueves 28 dentro de este XXV Festival Iberoamericano de Teatro (FIT) de Cádiz, que ya llega a su recta final, en esta meritoria edición (habida cuenta la crisis), responde a un proyecto de investigación de Teatro Malayerba, de Ecuador, sobre algunos cuentos y novelas de Pablo Palacio, importante escritor ecuatoriano de una corta pero relevante producción literaria.

‘De un suave color blanco’ nos acerca al escritor, a su vida personal y a su obra, adentrándonos en un universo de realidades-irrealidades, mediante la aparición en la escena de personajes con doble personalidad, o personajes con doble universo, o dobles personajes... Qué más da, al fin y al cabo personajes que se mueven dentro de la ficción, y no dentro del teatro o de la realidad.

El principal personaje doble son unas gemelas siamesas ficticias, irreales, como el objetivo de la obra en sí misma que busca una y otra vez esa irrealidad, o la realidad pero partiendo de la irrealidad. La escena en todo momento nos trae a la memoria, de alguna manera, un psiquiátrico, quizá en referencia a la muerte de Pablo Palacio.

Sobre las tablas, los actores de Malayerba recrean de una manera excelente situaciones que van desde un ahorcado al propio autor (escritor doble), pasando por dobles policías, mujeres dobles, que se van emparejando a lo largo de la obra en esos dobles universos de ficción que se nos transmite de comienzo a fin. La escena en ningún momento decae, conservando un excelente ritmo, tanto en la dicción como en la acción, incluyendo complicados recitados dobles, en pareja.

La escenografía, supo conjugar la sencillez, con un muy oportuno juego de luces, todo sobre “un suave color blanco”, que contrastaba con las tablas del teatro, a las que convirtieron en pizarra improvisada.

Esta representación sí es una obra a la altura de un Festival, que como el FIT de este año está dedicado a Ecuador. La compañía Malayerba aportó a esta edición un buen trabajo, con una importantísima misión: la difusión de la obra de un fantástico escritor ecuatoriano, al que se compara con Borges, y del que, y para muestra un botón, pese a haber muerto a los 40 años en 1947, aún hoy se le sigue descubriendo. DIARIO Bahía de Cádiz Jesús Sánchez-Ferragut


FICHA:

DE UN SUAVE COLOR BLANCO. Compañía: Teatro Malayerba de Ecuador

Director y Dramaturgia de Arístides Vargas.
Actores: María del Rosario Francés; Gerson Guerra; Manuela Romoleroux; Daysi Sánchez; Joselino Suntaxi; Arístides Vargas; Santiago Villacís.
Lugar: Central Lechera. Día: 28 de octubre. Aforo: Casi Completo.

http://www.diariobahiadecadiz.com/detalle-noticia-9082



XXV FESTIVAL IBEROAMERICANO DE TEATRO DE CÁDIZ






Réquiem por una creatividad muerta

29/10/2010. Jesús Sánchez-Ferragut (FOTO: JSF)

CRÍTICA. Al ver la representación de la compañía española de Marta Carrasco del pasado miércoles 27 en el Festival Iberoamericano de Teatro (FIT) de Cádiz, me quedé con la sensación de haber experimentado un gran ‘deja vû’ argumental. Nada nuevo bajo el sol ni sobre las tablas del escenario. El recurso a desnudar la liturgia de la Iglesia, probablemente hasta el propio Mozart lo hiciera en el contexto de las representaciones bufas que de sus propias obras hacía para divertimento de sus amistades y conocidos.

La inspiración musical de la obra, tampoco fue nada original, pues si hay una composición musical en occidente que ha generado torrentes de literatura (e incluso cine: véase Amadeus), esa es precisamente el Réquiem de Mozart. Como dijo Stefan Zweig, el Réquiem de Mozart es uno de los “momentos estelares de la humanidad”. Afortunadamente, el montaje musical despasado miércoles no respondió solo al Réquiem, sino que se nutrió de otras partes del vasto repertorio de uno de los más grandes genios musicales de la historia. Y quizá una de las notas de color de la representación de danza y teatro de esta compañía española fuera, precisamente, la interpretación por parte de uno de los actores de alguna que otra aria mozartiana, por cierto, nada sacras, como tampoco lo fue la pantomima hecha por un supuesto Mozart entrado en carnes, del aria de la Reina de la Noche de la ópera ‘La Flauta mágica’, ópera a la que, por cierto, se la considera una de las obras de corte masón de W.A. Mozart.

La compañía no escatimó medios, ni tampoco faltaron actores en la puesta en escena, que tuvo momentos afortunados con determinados esqueches que consiguieron arrancar la sonrisa del espectador. Algunos recursos interpretativos también tuvieron su minuto de gloria. Los decorados estuvieron correctamente trabajados, y la iluminación muy bien.

La representación, de 80 minutos de duración, tuvo un comienzo bastante flojo, ganando en ritmo, intensidad y dramatización poco a poco a lo largo de la noche, con lo que consiguió al final la atención del espectador.

Sin embargo, ‘Dies irae; en el Réquiem de Mozart’ no es una apuesta por el mayor de los retos, como reza en el programa del XXV FIT de Cádiz. Hoy día los retos están en afrontar otras críticas. La impotencia, la ira y el miedo siguen conviviendo con nosotros, y encuentran cobijo en los lugares que hoy son los comunes, los habituales. Pero quizá hablar de ello no sea lo políticamente correcto… DIARIO Bahía de Cádiz Jesús Sánchez-Ferragut
FICHA:

DIES IRAE; EN EL REQUIEM DE MOZART. De Marta Carrasco

Compañía Marta Carrasco. España.
Escenografía: Marta Carrasco; Pau Fernández y Pep García. Montaje musical: José Antonio Gutiérrez.
Lugar: Gran Teatro Falla. Día: 27 de octubre. Aforo: 3/4 del aforo.

http://www.diariobahiadecadiz.com/detalle-noticia-9076

XXV FESTIVAL IBEROAMERICANO DE TEATRO DE CÁDIZ



Un ballet llamado Leonardo, o Vitruvio ‘forever’, se presenta en el FIT de Cádiz

27/10/2010. Jesús Sánchez-Ferragut (FOTO: JSF)


CRÍTICA. No es tarea fácil idealizar a Leonardo Da Vinci en una obra de ballet de una hora de duración. El esfuerzo de abstracción para conseguir un resultado digno, quizá tendría que ser equiparable al que se necesitó para realizar cualquiera de las obras del genial pintor italiano del Renacimiento.

Conseguir una reducción del significado del personaje Leonardo y de su obra y servirla en forma de danza no es cosa de broma ya que el italiano fue un polifacético artista, ingeniero, filósofo, junto con un sinfín de cosas más que le dieron la inmortalidad.

Otra cosa bien distinta es trabajar sobre una de las facetas de Da Vinci, cual fue su maestría en el tratamiento de las proporciones del cuerpo humano, y el exponente máximo de su trabajo en este sentido: ‘El Hombre de Vitruvio’. Quizá ese sea el motivo de la falta de tratamiento unitario del trabajo de la Compañía Nacional de Danza de Costa Rica, presentada en el XXI Festival Iberoamericano de Teatro (FIT) de Cádiz, que centró toda su atención en una sucesión de expresiones corporales, y de poses individualidades, salvo en contadas ocasiones donde trabajaron los bailarines en conjunto, un ‘pas de deux’ y poco más. Lo cierto es que la puesta en escena de Leonardo de Yoshua Cienfuegos, obvia al pintor (su faceta principal) y su obra, y poco se deja entrever de su cualidad como ingeniero e inventor de proyectos irrealizables en su época, como el helicóptero, el carro de combate o el submarino.

Sin embargo, también tengo que decir que en general la puesta en escena estuvo bien resuelta, con una música elegida para la ocasión estupenda, y una correcta iluminación, pese al fallo de colocar cuatro focos en el escenario que redujeron algo la visión de los artistas, sobre todo desde el patio de butacas. Acompañó la escena una proyección de imágenes correcta, y el trabajo de los bailarines, siguiendo el guión de la obra fue de muy buen nivel, pese a verse abocados al cuasi modelismo.

Una obra de ballet, en definitiva, un tanto parcializada a favor de un aspecto de la vida de Leonardo: el estudio de la anatomía humana. Y también con una notable desproporción entre ‘Hombres de Vitruvio’ de los que hubo varios y ‘Giocondas’, de las que hubo pocas, por no decir ninguna. De la ‘Última Cena’, ni hablamos... DIARIO Bahía de Cádiz Jesús Sánchez-Ferragut


Ficha:

LEONARDO. De Yoshua Cienfuegos

Compañía Nacional de Danza de Costa Rica
Coreografía: Yoshua Cienfuegos. Música: Carlos Escalante.
Lugar: Gran Teatro Falla. Día: 25 de octubre. Aforo: 1/3 del aforo.